Esta es la historia de Sonny Hayes (Brad Pitt), un prometedor piloto en la década de los 90 cuya carrera fue abruptamente terminada por un accidente en la pista. Desde entonces lleva una vida nómada, compitiendo en circuitos menores y manteniéndose alejado de la fama. Sin embargo, todo cambia cuando Rubén Cervantes (Javier Bardem), su antiguo compañero y actual dueño del equipo APXGP, le propone un último desafío: volver a la Fórmula 1 para salvar al equipo, que atraviesa su peor momento y está al borde de desaparecer.

Sonny acepta el desafío y debe formar dupla con Joshua Pearce (Damson Idris), un joven piloto talentoso pero arrogante, inmaduro y con poco espíritu de equipo. La relación entre ambos es tensa desde el inicio, ya que Joshua trata con indiferencia al equipo técnico y menosprecia a Sonny, a quien ve como un piloto anticuado que nunca logró nada.

Guion y ritmo narrativo:

A nivel narrativo, la película sigue una fórmula clásica: un veterano debe trabajar junto a un “novato” talentoso pero arrogante que aún tiene mucho por aprender. Al principio, Joshua, el novato, se muestra indiferente con su equipo y subestima a Sonny, tratándolo como un “abuelo oxidado”. Sin embargo, a medida que avanza la historia, ambos personajes pasan de chocar constantemente a comenzar a entenderse. Sonny logra darle espacio a Joshua como primer piloto, mientras que Joshua aprende a valorar la experiencia del veterano y trabajar en conjunto con su equipo.

Paralelamente, también se aprecia la evolución del equipo técnico. En un comienzo, Joshua no les da mayor importancia, viéndose a sí mismo como el centro del equipo. Pese a que el grupo está conformado por profesionales con gran potencial, la falta de comunicación y confianza limita su desempeño. Es aquí donde la experiencia y la pasión de Sonny por las carreras no solo lo reconectan con la pista, sino que también lo ayudan a generar un vínculo con el equipo. Poco a poco, logra ganarse la confianza de Kate McKenna (Kerry Condon), la directora técnica, y el resto del personal, quienes comienzan a escuchar sus aportes y a trabajar en conjunto para mejorar el rendimiento del monoplaza.

En cuanto al ritmo, la película se mantiene equilibrada, sin ir demasiado rápido ni volverse tediosa. Si bien hay un momento en que la narrativa decae ligeramente y se siente un poco más extensa, esto responde a la necesidad de desarrollar los conflictos internos y relaciones entre personajes, por lo que no afecta negativamente su desarrollo general.

Estilo visual y atmósfera

La película logra sumergirnos por completo en la vida de un competidor de Fórmula 1, mostrando no solo la intensidad de las carreras, sino también aspectos técnicos como el trabajo del equipo mecánico, los entrenamientos físicos y las prácticas en simuladores. Además, nos introduce de forma eficaz en la experiencia de una carrera, combinando planos técnicos, tomas desde la perspectiva de los espectadores y secuencias en primera persona desde el interior del monoplaza. Visualmente cumple con creces, ofreciendo una experiencia dinámica y envolvente. La atmósfera también está muy bien lograda, con una representación auténtica del entorno que rodea a este tipo de competencias.

A esto se suma una banda sonora eficaz que mezcla música instrumental con canciones de artistas populares compuestas para la película. Esta combinación refuerza la sensación de competencia, adrenalina y tensión presente durante toda la cinta.

Además, a lo largo de la película escuchamos (y logramos ver) a varios competidores famosos de la Fórmula 1, lo que potencia su sensación de autenticidad pese a ser una película de ficción.

¿Por qué verla?

Aunque la premisa puede sonar familiar, la forma en que se desarrolla la historia logra sentirse auténtica. No se trata solo del viaje de un piloto, sino de un crecimiento colectivo en que cada integrante del equipo aporta para salir adelante.

La película es sumamente inmersiva, cargada de adrenalina y capaz de mantener la atención hasta el final. Además, ofrece una mirada interesante a lo que ocurre tras bastidores en los pits y en algunas de las pistas más emblemáticas del mundo, lo que también la vuelve atractiva para quienes no son seguidores habituales de la Fórmula 1.

Lo destacable:

• Representación inmersiva de las carreras: La película logra transmitir toda la intensidad de la Fórmula 1 a través de planos dinámicos y un sonido envolvente que te sitúan dentro del monoplaza-

• Soundtrack enérgico y bien integrado: La mezcla de piezas instrumentales con canciones de artistas populares aporta ritmo y refuerza la emoción durante toda la cinta.

• Valoración del trabajo en equipo: La película ofrece una valiosa mirada al trabajo tras bastidores, destacando que en la Fórmula 1 no todo gira en torno al piloto, sino que existe un equipo completo detrás del éxito.

• Toques de realismo: Se mencionan corredores reales y se visitan circuitos emblemáticos, lo que suma autenticidad para los fanáticos del deporte.

Lo no tan bueno:

• Uso de clichés narrativos: Pese a su autenticidad general, la historia recurre a fórmulas ya conocidas dentro del cine deportivo.

• Personaje principal poco desarrollado: Aunque Brad Pitt entrega una sólida actuación, su personaje no experimenta una evolución profunda.

• Posibles inconsistencias para fans exigentes: Quienes conocen a fondo el mundo de la Fórmula 1 podrían notar ciertos errores con respecto a las reglas o dinámicas reales de la competencia.

Datos curiosos:

Rodaje en carreras reales: La película se filmó durante temporadas reales de Fórmula 1, lo que permitió capturar escenas auténticas en medio de la acción, con autos y pilotos reales en pista.

Búsqueda de autenticidad: Para lograr una experiencia visual más realista, se utilizaron monoplazas modificados y se instalaron cámaras IMAX en distintas posiciones estratégicas dentro y fuera de los vehículos.

Sonido realista: Se puso especial énfasis en recrear fielmente los sonidos de los autos, incluyendo los ruidos de motores, cambios de marcha y del ambiente general de una carrera.

La saga de Exterminio (nombre horriblemente traducido, porque solo “exterminan” gente en la segunda película) es querida por el público, pero me parece que también ha sido malinterpretada por este respecto a su núcleo temático. 28 Days Later es una sucia y poderosa reinterpretación del género de zombies que pone el foco en la deshumanización y perversión moral, ética, sexual y cultural de los hombres, por encima de desarrollar un mundo centrado en las especificidades y violencia simplista del contagio zombie. Esto, además, es realizado desde un enfoque muy característico de la sociedad británica, con elementos culturales, sociales y hasta cinematográficos propios del Reino Unido, cuyos aspectos críticos con el consumo individualista tienen bastante relación con otras películas de su director, Danny Boyle, como Trainspotting o Shallow Grave. Incluso, la calidad pobre y sacudida de la cinematografía enfatizan la suciedad física y moral del escenario postapocalíptico y, sobre todo, de sus personajes, quienes son incluso más monstruosos que los contagiados.

28 Weeks Later es la mayor culpable de que parte del público vea a Exterminio como “una saga solo sobre zombies”. Esta entrega, que no contó con un guion de Garland ni la dirección de Boyle, quita por completo la idiosincrasia británica y la crueldad humana de la ecuación y las reemplaza por un protagonismo insípido del gobierno norteamericano y un básico atisbo de deshumanización por supervivencia que no le llega a los talones en profundidad ni ejecución a la perversión expuesta en 28 Days. Puede gustar más o menos y es entendible que encaje con gran parte del público, pero es innegable que se aleja muuucho de lo planteado en la película anterior, al ser un producto más tradicional y parecido a cintas apocalípticas gringas que ponen énfasis en la brutalidad gore de los zombies.

Tras este cambio de paradigma, Boyle y Garland regresan con 28 Years Later, una película mucho más parecida a Days que a Weeks, pero que también sabe distinguirse del resto de la franquicia. Se retoma la idiosincrasia británica con las secuencias con más sabor a fish and chips de toda la saga, a través de escenas poderosas que aluden a las tradiciones culturales y raíces conflictivas del Reino Unido. Desde los niños viendo los Teletubbies al principio hasta el tétrico montaje experimental con el poema Boots, de Rudyard Kipling, siendo declamado de fondo, la película repasa la historia y cultura británica de manera más evidente que 28 Days Later, pero también de forma más abstracta, aunque sin perder la aspereza ni la profundidad de las críticas al individualismo consumista propias del primer filme.

Por otro lado, la cinematografía es la mejor de la franquicia. Sigue siendo poco convencional, al igual que la pobre calidad de imagen de Days y la cámara frenética (y confusa) de Weeks, pero Years logra el espectáculo audiovisual más imponente y memorable de la saga hasta ahora, con secuencias de suspenso y acción adrenalínicas, bellas y novedosas (no a todos les gustó el truco de los freeze frames de los iPhones, pero a mí me pareció ingenioso y una manera creativa de darle dinamismo a estas escenas), junto a momentos limpiamente filmados con escenarios preciosos. Esto último no es casualidad, ya que va de la mano con la principal diferencia entre 28 Years Later y el resto de películas de Exterminio: el predominio de la bondad.

Days y Weeks son muy diferentes, pero coinciden en su tesis principal: el humano es más perverso que el zombie. 28 Years Later mantiene esta premisa, pero no se casa con ella ni la vuelve su conclusión fundamental, sino que toma otra perspectiva respecto a cómo percibimos la muerte no solo dentro de la especificidad de un escenario apocalíptico, sino que en general: todos morimos, pero no por ello dejamos de ser individuales y humanos. Las escenas de memento mori y memento amoris resignifican lo que ha representado la muerte en el subgénero de películas de zombies; un tipo de cine que trivializa los fallecimientos de cientos de personajes para entregar al consumidor un producto violento y superficial en lo que a la naturaleza humana, llena de emociones, raciocinio y amor, respecta. En un cine lleno de personajes que mueren sin tener tiempo para desarrollar personalidad, 28 Years Later da valor a cada humano fallecido por el contagio zombie en un conmovedor homenaje que demuestra que aún hay bondad y respeto en un Reino Unido descaminado, sean perceptibles en un monumento de calaveras o en un bebé no contagiado. ¿Qué hay más lindo que amar, pese a la inevitabilidad de la muerte? Esta cinta es la más bella de la saga, visualmente hablando, precisamente porque es la más benevolente y sensible de la trilogía.

28 Years Later destaca como una buena secuela que retoma a la vez que reinterpreta. Está bien actuada (Alfie Williams es un talentazo), dirigida, escrita y editada. Sus mayores imprecisiones radican en que sus secuencias experimentales, aunque son inquietantes y rebosan subtextos, restan dinamismo y ralentizan la película, que también peca de que se note demasiado su cualidad de “primera parte de una nueva trilogía”, debido a que tiene personajes y escenas que parecen no funcionar tanto como elementos de una película individual, sino como aspectos a desarrollarse en futuras cintas.

Todo esto hace que 28 Years Later no alcance el impacto ni la trascendencia de 28 Days Later, pero esta entrega se mantiene como una obra novedosa y emotiva cuya historia merece seguir siendo contada en las secuelas planeadas a futuro. Boyle nos demostró nuevamente lo gran director que es y Garland volvió a darnos profundidad, ingenio y, esta vez, más afectividad de la esperada. ¡Muy recomendable! PD: El final desentona un poco, es cierto, pero no me pareció aleatorio; creo que es una analogía con el principio de la película y la escena de los Teletubbies 😁.

La versión animada se centra principalmente en Lilo y cómo pasa de ser una niña sin amigos a compartir su mundo con Stitch, con quien realiza travesuras y se mete constantemente en problemas. Stitch, por su parte, fue creado para hacer el mal y causar destrucción, pero al estar con Lilo comienza a descubrir el valor del cariño y la pertenencia, dejando atrás poco a poco su lado más destructivo. Mientras tanto, Nani intenta mantenerse unida a su hermana a pesar del constante escrutinio de los servicios sociales, cargando con la responsabilidad de cuidar a Lilo tras la muerte de sus padres.

En cuanto al live action, la historia se aborda con un enfoque más realista y maduro. Si bien se mantiene la base de la cinta original (la amistad entre Lilo y Stitch), se profundiza de forma más consciente en la compleja situación que viven las hermanas. Se muestra más claramente el impacto emocional que tiene en Nani la pérdida de sus padres y cómo asume la custodia de Lilo, recordándonos que, pese a ser la mayor, sigue siendo una adolescente que recién entra en la adultez y que abruptamente se ve en la responsabilidad de asumir un rol maternal, mientras intenta sostenerse emocional y económicamente a sí misma y su hermana.

Para este fin, la cinta incorpora nuevos personajes y replantea a algunos ya existentes. Cobra Bubbles se mantiene como agente de la CIA, pero ahora se introduce a la señora Kekoa como agente de servicios sociales, además de Tutu, la vecina de Nani y Lilo. Estos personajes tienen un rol clave en profundizar el contexto familiar que viven las protagonistas.

La señora Kekoa se presenta como una figura empática dentro del sistema, que comprende las dificultades de Nani y, a pesar de los obstáculos, busca apoyarla. Por su parte, Tutu actúa como un pilar emocional y cotidiano; una vecina siempre dispuesta a cuidar, escuchar y estar ahí tanto para Nani como para Lilo, acompañándolas en su difícil proceso.

Las diferencias con la versión original se perciben más en la pareja de alienígenas encubiertos: Jumba y Pleakley. En el caso de este último, aunque no lo vemos con su característico disfraz femenino y peluca como en la versión animada, el actor que lo interpreta en su forma humana logra transmitir muy bien la esencia del personaje, manteniendo intacto su desarrollo a lo largo de la película.

Sin embargo, no ocurre lo mismo con Jumba. Su versión live action pierde gran parte del encanto del original. Pasa de ser un científico loco con una evolución interesante, que, pese a querer cumplir su misión, mostraba matices y crecimiento, a convertirse en el villano principal, lo que lo convierte en un personaje plano y poco interesante. Y sí, la ausencia de Gantu, el villano original, se nota y se extraña.

En cuanto a los personajes de Lilo y Stitch, estos mantienen su encanto y el desarrollo de su amistad sigue siendo entrañable, tal como en la versión original. Sin embargo, aunque las travesuras de Stitch siguen presentes, esta vez se sienten un poco más suaves. Su comportamiento se percibe más como el de un niño curioso y travieso que el de una criatura creada para el caos. Aún así, consigue sacar risas y conservar su carisma.

Con respecto a los efectos especiales, los alienígenas se ven correctamente. No destacan por ser deslumbrantes, pero tampoco resultan completamente fallidos. Aun así, en algunas escenas en que interactúan con los actores se ven poco convincentes o muy falsos. En ese sentido, fue un acierto que tanto Pleakley como Jumba tuvieran versiones humanas como camuflaje, en vez de presentarse directamente como alienígenas disfrazados, para evitar más escenas en las que el CGI se quedase corto.

Respecto a la ambientación, esta logra conectar con la nostalgia. Tanto los actores como los escenarios nos transportan fácilmente a la versión animada que vimos de niños.

¿El live action de Lilo & Stitch era necesario?

Como muchos de los live action recientes de Disney, no, no era realmente necesario. Sin embargo, la película funciona. Aunque tiene varias carencias, intenta renovar la historia original con algunos cambios, sin dejar de ser fiel a su esencia. En ese sentido, sí, apela directamente a la nostalgia y logra reconectar con quienes crecimos viéndola.

Lilo & Stitch cumple con su propósito: entretener, hacer reír y despertar la emoción de quienes vimos la cinta animada en nuestra infancia. Además, le da un aire renovado a la historia original.

Uno de sus mayores aciertos es la profundidad que se le da al personaje de Nani. En esta versión, deja de ser solo “la hermana mayor que cuida a Lilo” para mostrarnos que también es una adolescente con sueños y aspiraciones que debió asumir un rol adulto tras la muerte de sus padres.

También es un acierto la incorporación de nuevos personajes que enriquecen el relato y aportan dinamismo a la trama.

Aun así, la película tiene debilidades. El CGI es decente, pero sin llegar a ser destacable. Además, se echa de menos la presencia de Gantu, cuya ausencia afecta negativamente el desarrollo del personaje de Jumba, que aquí pierde complejidad y se convierte en un villano más plano.

Como producto independiente, el live action funciona bastante bien y evita los errores más notorios de otras adaptaciones recientes de Disney. Sin embargo, no supera a la película original y está lejos de ser uno de los mejores live action del estudio.

La película presenta a Jenifer, Fabiana y Abigail, tres mujeres que obtienen sus primeros trabajos formales como cuidadoras en un hogar público para adultos mayores en Buenos Aires. En su experiencia interactuando con los cuidados, se exponen las problemáticas vidas que han tenido y la oportunidad que representa el trabajo para las protagonistas, al haber lidiado siempre con violencia, prejuicios y discriminaciones ligadas con su identidad sexual. Esto se desarrolla a través de diálogos de consejo y naturalidad entre las mismas mujeres, pero también se percibe en las escenas en que interactúan con los adultos mayores, quienes no estaban acostumbrados a dialogar con mujeres transexuales. En estas dinámicas cordiales y, progresivamente, cercanas y afectuosas se encuentra el corazón del filme; en cómo personas tan opuestas (mujeres con futuro incierto y adultos mayores con mucho pasado) hallan confianza, cariño y comunidad en la relación que mantienen entre ellas, aparentemente desigual (cuidador/cuidado) pero con muchas cosas en común. En las dos veredas hay personas que quieren ser amadas y tratadas con dignidad.

Cuidadoras trata sobre el amor, la violencia, la discriminación sistemática, la soledad, la familia, la búsqueda de un hogar y la creación (necesaria) de comunidades para sobrellevar la vida. Cinematográficamente hablando, su representación de la realidad es directa, estática y algo carente de dinamismo, lo que desemboca en una exposición honesta y cálida de la relación entre cuidadoras y cuidados, aunque también algo lenta y reiterativa. Algunas tomas muy largas ralentizan la narrativa y restan emotividad a ciertos momentos que desbordan ternura en su núcleo, aunque esto tampoco afecta mucho negativamente a la película.

Este documental conmueve por su emotiva, humana e innovadora premisa. Si bien la cinematografía y otros elementos como la mezcla de audio no siempre fortalecen al metraje más allá de la mera exposición/denuncia, las dinámicas expuestas entre las mujeres protagonistas y los adultos mayores son tan enternecedoras, emocionales y hasta divertidas que el visionado, de todas formas, enblandece al espectador. El documental también hace importantes representaciones de temáticas como la transexualidad en Argentina, lo que otorga relevancia a la película, sobre todo considerando la invisibilización política actual que se hace de este tema en el país trasandino. ¡Véanla!

Partiendo por lo obvio, sí, es evidentemente una película de Wes Anderson. Cada plano tiene una simetría bellamente incontestable que, a través de sus brillantes colores y puesta en escena teatral, hace una simbiosis perfecta con la narrativa y personajes disparatados que nos presenta la historia. Esta mezcla ya es costumbre en la filmografía del director, pero la diferencia de este filme con los últimos proyectos de Anderson radica en que su historia logra perderse voluntariamente en el absurdismo sin vergüenza ni miedo, mientras muestra los matices humanamente conmovedores de situaciones ridículas y personajes irredimibles. Películas episódicas como The French Dispatch o Asteroid City también eran disparatadas, pero no tan punzantes ni creativas en la construcción de personajes que oscilen cómodamente entre la humanidad y la caricatura (normalmente estos caían en la parodia burda). Esto último sí lo logra eficazmente The Phoenician Scheme, a través de un guion ingenioso y personajes incómodamente carismáticos que muestran atisbos de humanidad irresistibles y conmovedores.

En este apartado destacan las actuaciones de Benicio del Toro, Mia Threapleton y Michael Cera. El elenco es inmenso y desborda encanto, pero el trío protagónico se come la película. Cera es muy divertido (me uno a quienes opinan que debió colaborar con Anderson en más películas), Threapleton es una grata sorpresa que pone en tierra los pies de un personaje ridículo y del Toro actúa excelente (en escenas cómicas y dramáticas) como un personaje inescrupuloso hasta el máximo, pero cuya humanidad todavía reluce. Wes Anderson no presentaba personajes que fueran encantadores y moralmente ambiguos por igual desde The Grand Budapest Hotel, ¡y esa película es, en mi opinión, la mejor del cineasta!

The Phoenician Scheme es un gracioso juego de triquiñuelas que esconde una crítica paródica a la relación entre empresarios, políticos y control mundial y un trasfondo audaz sobre la familia y la redención hasta límites grotescos. Si bien la película no siempre logra balancearse con equilibrio entre absurdismo y subtexto, los momentos tragicómicos y la excelente cinematografía sostienen un visionado en que las risas abundan y resurge la admiración por la creatividad, tanto visual como narrativa, de Wes Anderson.

1. CONTEXTO

Ballerina se desprende de John Wick, una de las sagas de acción más exitosas de la última década.

La película se enmarca cronológicamente tras los eventos de John Wick: Chapter 3 – Parabellum (2019) y pone como protagonista a la actriz Ana de Armas, quien interpreta a Eve Macarro, una asesina que busca venganza por la muerte de su padre.

2. PROS Y CONTRAS

Puntos Positivos

• Abundan coreografías novedosas en las secuencias de acción.

• La historia se desarrolla en varias locaciones, ayudando a la dinámica narrativa.

• Ver antes las películas de John Wick ayuda a enriquecer el mundo, pero Ballerina se mantiene bien como producto independiente.

Puntos Negativos

• Su primera mitad es más lenta y demora mucho en arrancar.

• El guion puede ser demasiado convencional y de fácil anticipación.

• Parte de las reglas establecidas en la saga parecen no pesar tanto en esta película.

3. CRÍTICA

Ballerina es una clásica historia de venganza no muy distinta a las que hemos visto antes. Si se busca pasar un buen rato en el cine con una película de acción, esta cinta no defraudará, más aún si se disfruta de la saga de John Wick.

Las referencias son numerosas, tanto a las políticas del Continental como a los diálogos, mantras y construcción previa de este universo de asesinos, aunque cayendo a veces en el fan-service, recurso sobreutilizado en el cine actual.

La protagonista no es John Wick y eso queda muy reflejado desde el comienzo. Vemos a Eve sufrir bastante más de lo que los lead roles de esta saga nos tenían acostumbrados. Sin embargo, mientras avanza la historia vemos cómo la asesina se va adecuando a las conveniencias del guion.

Mucho de Ballerina recae en la adaptabilidad que tiene Eve Macarro para cada situación, sacando mayor provecho a su agilidad que a su fuerza física. En las escenas que muestran esto se ve el brillo de la cinta.

4. CONCLUSIONES

Este spin-off logra mantenerse por sí mismo como una película de acción que cumple su propósito: entretener en la sala de cine. Aunque su primera mitad puede ser considerada floja o demasiado convencional, despega notoriamente en su segunda parte.

La aparición directa de John Wick suma bastante a la acción y las secuencias en que él está presente son de las mejores de la cinta; no así su justificación argumental o el peso dramático de su relación con nuestra protagonista.

Ballerina suma más de lo que resta a la franquicia, pero sigue dependiendo mucho del universo sostenido por Keanu Reeves, ya que al papel de Ana de Armas le falta un carisma más magnético y algo que nos lleve realmente a querer ver más de ella.

Esta película nos recuerda, al menos un poco, a lo que eran las cintas de Marvel en sus inicios: historias sencillas (con trasfondos serios y una pizca de humor), buenas dosis de acción y efectos especiales bien logrados.

Thunderbolts* gira en torno a Yele**n**a, quien, tras la muerte de su hermana Natasha (Black Widow), se siente vacía y atrapada en un trabajo rutinario como “mercenaria” que no la llena. En busca de algo diferente, acepta un “último trabajo” con la intención de luego cambiar de rumbo. Sin embargo, ese encargo se complica y Yelena se ve obligada a colaborar con otros agentes para sobrevivir y enfrentar una amenaza mayor.

Este equipo está compuesto por personajes secundarios de otras producciones del UCM: John Walker (The Falcon and the Winter Soldier), Fantasma (Ant-Man and the Wasp), El Guardián Rojo y Taskmaster (Black Widow), además de Bob y Bucky. Todos ellos tienen un p**asado turbio, están emocionalmente rotos y se sienten inadaptados, inútiles o reemplazables. No son grandes héroes ni tienen súper poderes extraordinarios. Y lo más importante: no quieren ser héroes**.

La película, en el fondo, trata de eso: cómo un grupo de personajes rotos, secundarios y aparentemente fracasados, obligados a trabajar juntos, termina convirtiéndose en la única esperanza frente a una amenaza mayor. Es una historia de redención, colaboración y de cómo, incluso en medio del caos y los altibajos emocionales, es posible encontrar sentido. A lo largo de la trama, estos agentes descubren que, pese a sus diferencias, comparten dolores similares. Cada uno ha tocado fondo a su manera, pero igualmente logran formar un equipo que se entiende a la perfección. Cada uno sabe cuál ha sido el punto más bajo del otro, pero se terminan apoyando mutuamente porque se comprenden y están ahí para ellos.

Thunderbolts* es un ajuste de engranajes respecto a lo que Marvel venía haciendo mal en los últimos años. Los efectos especiales (y prácticos) están bien trabajados (ninguna escena parece hecha a última hora ni provoca vergüenza ajena). Además, no se abusa de humor ridículo ni chistes forzados. Aunque hay momentos cómicos, estos se sienten integrados a la trama y calzan con las personalidades de los personajes, sin caer en exageraciones.

En cuanto a su temática más “madura” (los altibajos emocionales de sus protagonistas), si bien la película no es particularmente reflexiva (solo se queda en lo superficial), logra explorar de forma efectiva el vacío que sienten estos personajes. Son sarcásticos con sus propias vidas, desconfían de los demás y no encajan del todo en el mundo que los rodea, pues están acostumbrados a ser “los segundos”. A diferencia de otras producciones del UCM, aquí la desgracia de los personajes no se trata como un chiste, y eso se agradece.

En cuanto al villano, este es, sin duda, uno de los puntos más débiles de la película. La historia recurre al cliché de presentar a un antagonista casi invencible y con un poder desmesurado, lo que tiene como consecuencia que su derrota parezca más una excu**s**a básica del guion para hacer circular la trama que una consecuencia lógica de la historia. Sin embargo, *Thunderbolts\ logra que esto no se sienta del todo forzado, ya que la resolución se construye a lo largo de todo el metraje a través del desarrollo emocional de sus protagonistas. Es precisamente en la conexión, el entendimiento mutuo y el apoyo emocional entre estos personajes rotos donde se encuentra la clave para enfrentar a una amenaza que, de otro modo, sería imposible de vencer**. Aun así, no se puede decir que la ejecución del conflicto con el villano sea completamente satisfactoria o innovadora.

En resumen, Thunderbolts* es un soplo de aire fresco y fácilmente se posiciona entre lo mejor que Marvel ha hecho en la era post Endgame. Es una película que cumple con lo prometido: entretener, dar buenas dosis de acción y ser ideal para disfrutarla con amigos o en solitario. Eso sí, aunque la trama puede entenderse por sí sola, antes de ver la cinta se recomienda haber visto otras producciones del UCM, especialmente aquellas en las que aparecen los miembros del equipo, para comprender mejor sus personalidades y conflictos internos.

En Chile las comedias mediáticas suelen ser mal miradas por su humor sexista, de mal gusto y, en líneas generales, anticuado. Si bien la desaparición (merecida) de Nicolás López ya había cambiado algo esta tendencia, el cine chileno ha destacado durante los últimos años más por sus obras dramáticas que por sus cómicas. Esto hace que Los People In The Dragon, pese a sus imperfecciones, sea una película disruptiva, ya que su humor oscila de manera entusiasta entre el absurdismo de la ironía contemporánea y los tópicos y modas de la comedia dosmilera.

La cinta es una evidente sátira hacia el funcionamiento de la industria musical, una premisa que se ha visto cientos de veces en películas gringas, pero que en Chile halla cierto jolgorio al referenciar humorísticamente festivales, bandas, artistas y modas nacionales de los últimos veinte años. Las escenas más graciosas del filme vienen de las parodias a la cultura musical chilena.

Pese a esto, si bien esta base narrativa da lugar a la mayoría de chistes, el verdadero corazón de Los People In The Dragon se muestra en las dinámicas entre sus personajes. Aquí destacan, en cuanto a interpretaciones, Catalina Saavedra y José Antonio Raffo. Las escenas en que la banda interactúa con naturalidad e interpreta la ocasionalmente pegadiza banda sonora son las mejores, precisamente porque hacen reír mientras logran que nos encariñemos con estos personajes (o que al menos nos atraigan). Lamentablemente los otros miembros de la banda solo tienen espacio para destacar en instancias humorísticas, ya que sus personajes son reducidos a caricaturas incluso en escenas serias. Esto tampoco es tan grave, pero tiene como consecuencia que la película no funcione tan bien en sus momentos dramáticos, que a veces se sienten apresurados o fuera de lugar (y eso que la premisa tenía un potencial tragicómico muy interesante).

¿Lo mejor? La banda sonora (Queso y Jamoná es un temazo), las actuaciones y algunos chistes que funcionan bien por un guion que se siente muy idiosincrático. Los People In The Dragon es una comedia liviana que, si bien a veces sus chistes se alargan un poco más de lo necesario y pudo atreverse a ser más incisiva en su trasfondo dramático, entretiene, hace reír y rebosa creatividad en algunos momentos. ¡Vayan a verla! Este tipo de películas demuestran que el cine chileno crece, lento pero seguro, hacia una industria cinematográfica con géneros variados y obras creativas llenas de amor al arte. Además, ¡la película es un homenaje implícito bacán a los Chancho en Piedra! 🎸

La cinta no moderniza ni reinventa nada de la clásica fórmula de Final Destination, pero sí gira un par de tuercas en el engranaje. La premonición es diferente, las muertes son más pausadas, los personajes no son un grupo de amigos insoportables (ahora es una familia con traumas de abandono) y hay otros momentos puntuales que sorprenden al no seguir la fórmula convencional de la franquicia. Gracias a esto, Bloodlines continúa el legado de las entregas anteriores mientras se siente como un soplo de aire fresco (con olor a cadáver).

La mantención de la fórmula tiene como consecuencia una ausencia de profundidad esperable, pero uno no puede buscar en una película de Final Destination algo complejo desde lo temático. Esta franquicia es un espacio para que solo destaquen directores, montajistas y artistas VFX por cómo muestran la tenebrosa intangibilidad de la muerte, que desemboca en los decesos más inesperados, grotescos, brutales y ridículos (aunque no totalmente inverosímiles) imaginables, siempre con un enfoque de humor negro entretenido y culposo. Afortunadamente, Bloodlines recupera la creatividad, paciencia y expectación de las muertes de la primera película (y del accidente en la segunda), que no estuvieron presentes casi nunca en el resto de la saga. ¡Esta película está muy bien dirigida y editada (otros filmes de terror modernos podrían aprender de la premonición del Sky View sobre cómo construir una escena a pura dirección y montaje)! Esto, sumado a un buen trabajo de efectos digitales y prácticos (por fin), vuelve a esta entrega una de las más disfrutables, impactantes y entretenidas de la saga. Yo incluso diría que es la mejor.

El cine vive un periodo en que las grandes franquicias producen cintas genéricas o erráticas para perpetuar maquinarias gigantescas de dinero. En ese sentido, Final Destination: Bloodlines no es una película profunda que asuma grandes riesgos, pero se aprecia ver una franquicia que siga reconociendo, orgullosa, que no debemos tomarla en serio. Mejor ver una película absurda que asuma su ridiculez en lugar de una película estúpida que nos pida tomarla en serio. Además, ¡es la primera película de Final Destination que no me da cringe! Una tarea que era muy difícil para los protagonistas de las películas anteriores…

Cierro esto diciendo lo más destacado del filme: el homenaje a Tony Todd es muy bonito 🥲. Además, exhibe un punto muy cierto y significativo en una franquicia sobre la muerte: la vida es bella y debemos aprovecharla. Que en paz descanse 🕊️.

En esta nueva entrega nos encontramos con un primer acto que funciona como prólogo de cosas que ya hemos visto, con escenas algo escuetas y planteando el conflicto desde un lado más político que, por momentos, cae en ciertas banalidades que rozan lo trivial. Sin embargo, más allá de este pequeño juicio negativo, no puedo acreditar ninguna otra falta a esta imponente película.

La saga se distingue por un objeto “antagonista” que suele funcionar como excusa para conducir a Ethan Hunt a otras circunstancias. Normalmente estas situaciones finalizan con un sacrificio o acto de lealtad hacia su integridad, sus principios y, sobre todo, hacia su equipo. En Mission: Impossible - The Final Reckoning, la relación con este objeto se vuelve el propósito principal de las acciones de los personajes, cortando con la lógica previamente establecida. Es coherente que se llegué a esta decisión narrativa porque el conflicto es de talla mundial: ahora la existencia de la humanidad está en juego.

La película busca la consagración de Ethan Hunt al entregarle la luz que lo convierte en el destino, una idea que presenta algunas contradicciones. Hay un vaivén constante entre el libre albedrío y lo que ya está escrito, como si no pesaran las decisiones que uno toma en medio de una situación porque el final está decidido; Ethan lo decidió. En el cine me encontré con una película que pretende hablar sobre aquello que es humano para terminar mostrando un protagonista que alcanza cierta divinidad. Dos mundos unificados por un mesías, aquel que carga la llave en forma de cruz.

Este simbolismo hace una declaración frente al cine actual, posiciona a Tom Cruise como el último bastión de las estrellas del Hollywood clásico y rememora al género de acción como algo más que un simple complemento. Este manifiesto está presente en toda la saga, pero en esta cinta toma aún más claridad.

Mission: Impossible ha sabido pronunciarse con narraciones más acertadas a lo largo de los años, pero The Last Reckoning logra un cierre correcto a través de lo expuesto en aquella segunda historia que toma todo el protagonismo. Para quienes están cómodamente en sus casas esperando a que alguna plataforma decida añadirla a su catálogo, los invito a movilizarse e ir a verla a la sala más cercana. Aprovechen que el cine aún sigue vivo.

Dirigida por Brad Anderson y estrenada en el año 2004, El Maquinista es un thriller psicológico oscuro e inquietante que narra la historia de Trevor Reznik (Christian Bale), un operador de maquinaria industrial que sufre un extremo cuadro de insomnio: no ha dormido en un año. Esta privación de sueño ha deteriorado su cuerpo hasta el punto de parecer un esqueleto viviente y ha afectado su percepción de la realidad, provocándole episodios de ira y desconexión. La situación de Trevor se complica aún más cuando, tras una distracción en el trabajo, provoca un accidente en el que uno de sus compañeros pierde un brazo, desencadenando en él una espiral de paranoia constante.

Impresiones:

La película explora temas como la culpa, la paranoia y la delgada línea que separa la realidad de la locura. Su ritmo pausado y atrapante logra mantener la atención del espectador, revelando gradualmente pistas que construyen el misterio sin recurrir a giros argumentales excesivos.

“Una mente sana en cuerpo sano”. El estado demacrado de nuestro protagonista refleja a la perfección su personaje. A lo largo de la película no solo se muestra cómo el insomnio lo priva de una vida tranquila, sino también cómo lo hace tener comportamientos compulsivos, repetir las mismas rutinas y frecuentar los mismos lugares, lo que deja ver el deterioro mental de Trevor.

La degradación física y mental del personaje se presenta casi como algo cotidiano; a pesar de su apariencia cadavérica, su entorno apenas reacciona, lo que intensifica la sensación de aislamiento y soledad.

Con un concepto simple pero bien ejecutado, El Maquinista consigue transmitir una atmósfera densa e incómoda, potenciada por una fotografía grisácea y composiciones frías que acentúan la sensación de decadencia e incertidumbre.

Conclusiones:

Más que una historia con grandes giros, la cinta es una metáfora sobre la culpa y el peso del remordimiento no enfrentado, que terminan consumiendo a las personas. Con una estética que recuerda a El Club de la Pelea, El Maquinista es una de esas cintas psicológicas que, a lo largo de su narrativa, te hacen cuestionar qué es real y qué no.

La película destaca por su atmósfera y, sin duda, el gran nivel de actuación de Christian Bale, cuya transformación física y compromiso total con el papel son cruciales para transmitir el dolor y la vulnerabilidad de Trevor Reznik.

Curiosidades:

• A pesar de estar ambientada en Estados Unidos, la película fue rodada casi en su totalidad en Barcelona.

• Para sumergirse en el personaje, Christian Bale perdió más de 28 kilos, llegando a pesar alrededor de 50 kg.

• Por su papel en El Maquinista, Christian Bale ganó el premio a Mejor Actor en el Festival de Cine de Sitges.

Las referencias del estilo que plantea la película hacen inevitable pensar en la saga de Jason Bourne, ese agente amnésico pero con un gran entrenamiento, o en la de John Wick. Sin embargo, la película no va por ninguno de esos lados.

El protagonista no es un súper agente y tampoco un asesino retirado. Físicamente no cuenta con la preparación necesaria y es alguien compasivo que nunca ha matado a nadie. De aquí viene el título de la cinta.

La historia sigue a un criptógrafo de la CIA, que es, en rasgos generales, un programador, alguien que trabaja de cerca con tecnología y que no cuenta con acción en el campo. Pero un evento que cambia su vida lo llevará a tomar un camino de venganza.

2- Pros y Contras

Puntos Positivos

• Para los amantes del cine de acción y espionaje, es una película que cumple.

• Tiene un ritmo bastante bueno (considerando que la cinta dura dos horas) y no se estanca narrativamente.

• Las interacciones entre los personajes de Rami Malek y Laurence Fisburne son de lo mejor de la película.

Puntos Negativos

• Su historia cae rápidamente en lo convencional, alejándose de su distintiva premisa.

• Tiene personajes secundarios desaprovechados, con poco peso argumental y genéricos.

• Es una película sin personalidad en cuanto a aspectos técnicos o de banda sonora.

3- Crítica

A pesar de que el argumento de la película es que estamos tratando con una persona inexperta en el campo de la vigilancia operativa o de terreno, la cinta se olvida fácilmente de lo que venía planteando, y eso es un problema.

Charlie Heller (Rami Malek) parece siempre salir de las situaciones a último momento como si ya tuviera un plan maestro previo. A veces se siente demasiado conveniente todo.

Además, la historia de venganza, como espectadores (si bien la creemos justificada), no alcanzamos a sentirla real. Estamos dudando si efectivamente habrá algo más que este tipo de historia ya vista tantas veces, pero la sorpresa que esperamos nunca llega. Una vez la película engrana todos los elementos que hacen girar la trama, entra en modo automático.

El trabajo en la banda sonora tampoco aporta algo demasiado destacable y en los aspectos técnicos generales la película está bien, pero, para una producción que costó más de USD$60MM de dólares, se queda corta.

4- Conclusiones

La película tenía potencial de ser algo más grande de lo que terminó siendo. Sin embargo, logra entretener y se pasa un buen rato viéndola, a pesar de no destacar mucho entre otras películas del género.

Malek está en un papel que le acomoda, y es que ya ha interpretado antes a personajes que han sido hackers, como en la serie Mr. Robot. Lamentablemente, en The Amateur no demuestra un rango actoral diferente.

La película ha recaudado un poco más de su presupuesto y cierra con lo necesario para que no sea un fracaso, pero ya no fue un éxito de taquilla.

La industria del cine está lejos de ser como antes, cuando una estrella ganadora de un Oscar era capaz de convocar por sí sola a la audiencia a asistir a las salas. Hollywood tendrá que esforzarse más en guiones e innovar en historias, ya que tampoco vale la pena estrenar una película que no sea secuela ni parte de una franquicia si se ve poca autenticidad en ella.

A diferencia de las otras versiones, el protagonista domina el kung-fu desde las primeras escenas. Por cuestiones laborales que implican a su madre, se va a vivir de Beijing a Nueva York, donde el arte marcial predilecto es el karate. Ahí es cuando se presenta la posibilidad de unir ambas disciplinas: “Dos ramas, un árbol”, frase que se encarga de repetir la película una y otra vez, denotando que piensan que el espectador no es capaz de retener información que escuchó hace menos de diez minutos.

El señor Han (Jackie Chan) se encargará del kung-fu y Daniel LaRusso (Ralph Macchio) pondrá su parte en el karate. Un intento de unir la versión original con su remake del 2010, obra completamente ignorada en esta nueva adaptación. No olvidemos que el pequeño Dre Parker (Jaden Smith) fue el encargado de sacar al personaje de Jackie Chan de la depresión (y quien le devolvió el sentido a su vida) y aquí no hay rastros de él. Parecen ignorar en líneas generales lo sucedido en películas anteriores, sobre todo a la hora de construir personajes ya conocidos por el espectador.

Ya no nos encontramos con un adolescente indefenso que a través de un arte marcial se descubre a sí mismo; ahora tenemos a un joven que pretende usar las disciplinas para demostrar que tiene coraje. No existe como tal la relación alumno-profesor característica de la franquicia porque no solo el protagonista ya sabe pelear, sino que también tiene una subtrama en la que él actúa de profesor ayudando a un adulto a mejorar sus técnicas de boxeo, desarrollada en escenas que no son comparables en absoluto con las secuencias de entrenamiento de las películas anteriores.

Con estas declaraciones no pretendo dar a entender que el largometraje no cumplió mis expectativas por no parecerse a sus antecesoras. Simplemente creo que aquellas cosas que funcionaron anteriormente y eran parte importante de la historia acá no se hacen presentes, porque no hay un entendimiento real de los temas que trata el relato original. Tomemos nuevamente de ejemplo la versión del 2010, que dista bastante de la narración de Daniel LaRusso pero igual contiene la esencia que esta buscaba representar.

De todas formas, en el cine no se pasa un mal rato viéndola. Es técnicamente lograda y las actuaciones son buenas, por lo que todas sus inverosimilitudes no terminan de sacarte enteramente de la ficción. Es entretenida pero no es un gran legado. Su existencia se justifica en la nostalgia y furor que trajo la serie Cobra Kai y la falta de intencionalidad para contar historias nuevas a los jóvenes actuales.

Dirigida por David F. Sandberg y basada en el videojuego homónimo de 2015, desarrollado por Supermassive Games para PS4 (actualmente cuenta con un remake para PS5), Until Dawn nos presenta la historia de Clover, quien, tras la desaparición de su hermana Melanie, decide viajar con su grupo de amigos al lugar donde fue vista por última vez en busca de respuestas. Luego de hacer preguntas en el pueblo, se dirigen a un centro de visitantes. Es entonces cuando son atacados y asesinados por un psicópata con máscara, para luego despertar al inicio de la misma noche, antes de que todo pasara. Así, se ven obligados a revivir la pesadilla una y otra vez, enfrentándose cada vez a una amenaza asesina diferente. La única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer.

Diferencias con el juego

Al tratarse de un producto promocionado como una adaptación, resulta inevitable compararlo con el videojuego original. En ese sentido, el único parentesco real entre ambos es el nombre y algunos pequeños elementos de la trama.

El videojuego sigue a ocho amigos que se reúnen en un refugio en las montañas un año después de un trágico accidente que afectó a dos de sus amigas; lo que comienza como una noche de recuerdos y reconciliación pronto se convierte en una lucha por la supervivencia. Aislados y acechados por un asesino y entidades siniestras, su única esperanza es tomar decisiones acertadas que les permitan sobrevivir hasta el amanecer, momento en el que son rescatados.

Inspirado en los clásicos del cine de terror, el juego presenta una narrativa tipo slasher, donde cada decisión del jugador puede salvar o condenar a los personajes, utilizando el sistema del “efecto mariposa”. Por eso, dependiendo de tus elecciones, no todos los personajes llegarán al final.

Por otro lado, la película, si bien plantea una premisa similar (el viaje motivado por la desaparición de la hermana de una de las protagonistas que los lleva a un centro de visitantes), desarrolla la historia de manera diferente. En lugar de enfocarse en las decisiones individuales y sus consecuencias, apuesta por una fórmula más parecida a la de la película Feliz día de tu muerte, donde los personajes reviven la misma noche cada vez que mueren. En este caso, la única manera de romper el ciclo es lograr sobrevivir hasta el amanecer.

Crítica

La cinta comienza bastante bien. Inicia con la desaparición de Melanie para luego presentarnos a Clover, quien, motivada por la búsqueda de su hermana, convence a su grupo de amigos (Nina, Max, Abel y Megan) de visitar el último lugar donde fue vista. Esto los lleva a una gasolinera, donde el dependiente les comenta que es común que personas desaparezcan en esa zona. Posteriormente, debido a un fenómeno climático, los jóvenes quedan atrapados en un centro de visitantes relacionado con la desaparición de Melanie y otras personas.

Allí son asesinados por primera vez por un hombre enmascarado, para luego despertar al inicio de la misma noche y enfrentarse a una nueva amenaza. Hasta ese punto la película logra mantener el suspenso sobre qué está ocurriendo y qué sucederá a continuación.

Sin embargo, a medida que avanza, la trama empieza a caer en excesos. Llega un punto en que la fórmula de amenazas cambiantes provoca que las muertes, en lugar de resultar creativas, se sientan forzadas, con criaturas y formas de morir sacadas de cualquier parte. Esto rompe la lógica interna y la seriedad construida inicialmente. A pesar de ello, en su último acto la película logra recuperar parte de su atmósfera de tensión y miedo.

En cuanto al terror, la cinta ofrece una buena dosis de suspenso durante gran parte de su metraje. Los jumpscares funcionan relativamente bien; aunque algunos son predecibles, logran asustar de manera efectiva. La película tampoco abusa de sobresaltos gratuitos, por lo que estos se sienten bien integrados en la narrativa.

Desde lo técnico, los efectos especiales son correctos, la ambientación está bien lograda y el maquillaje es efectivo. El escenario favorece el desarrollo de la tensión, y las muertes, en general, resultan creativas y evitan caer en lo ridículo (aunque algunas rozan lo grotesco). El maquillaje, tanto en los protagonistas como en las entidades que los persiguen, está bien trabajado y aporta realismo al terror que se busca transmitir.

Uno de los puntos débiles es el escaso desarrollo de personajes. Debido a la fórmula de muertes en bucle y amenazas cambiantes, solo Clover y, en menor medida, Nina tienen cierta profundidad. El resto del grupo carece de personalidad destacable o evolución.

Lamentablemente, al final de la película yace su mayor defecto: el misterio nunca se resuelve. No existe una explicación clara de lo que ocurre, lo cual es lamentable, ya que en el videojuego parte importante de la trama giraba en torno al trasfondo de las amenazas. Si bien la película explora otra historia, se habría agradecido que las entidades tuvieran una razón de ser.

Conclusiones

Si bien no es la mejor película slasher, ni mucho menos una de las grandes cintas de terror de los últimos tiempos, Until Dawn resulta una opción entretenida para disfrutar un viernes por la noche en compañía de amigos o en soledad.

La ambientación es uno de sus puntos fuertes: logra mantener el suspenso y terror durante gran parte de su desarrollo.

Aunque no tiene una conexión directa con el videojuego, los más observadores notarán algunos guiños sutiles. Si se deja de lado su origen como adaptación, la película funciona decentemente como un producto aparte.

Denominación de Origen funciona por varias razones, pero la más fácilmente perceptible es su encanto. ¡Todos los personajes rebosan carisma! Luisa brilla con su ímpetu, Dj Fuego con su desfachatez, Juan Peñailillo con su optimismo (con una dosis justa de venta de humo) y el Tío Lelo que… es el Tío Lelo (tremendo chad ⭐️). Todos los personajes son memorables, naturales y creíbles (no parece que la película fuera un falso documental), lo que realza su gracia a niveles mayores.

Otra cosa buena es que este encanto y naturalidad no se limita a los protagonistas, sino a todo el apartado técnico. Denominación de Origen está dirigida y editada de una manera que humoriza la mayoría de situaciones (hay varios cortes que son hilarantes) sin quitarles humanidad. El mérito de Tomás Alzamora es gigante al montar una película tan humana y cautivadora y, al mismo tiempo, potenciar su comedia con una edición que fomenta el humor absurdo y hasta algo shitposter, pero de una manera que fluye con la naturaleza de la premisa misma.

Y esa es otra: la premisa de Denominación de Origen es sobre longanizas, pero no solo trata de eso. La trama de un movimiento social de acrónimo impronunciable que se alía con un grupo de longaniceros para recuperar, a través de unos embutidos, la dignidad de su pueblo es absurda per se, pero es demasiado real al mismo tiempo. La película está llena de secuencias y momentos tan naturales que representan parte de la idiosincrasia misma del chileno: un sujeto malgenio y egocéntrico pero aperrado y luchador. Los santiaguinos no encontraremos mucho material con el que identificarnos, pero el acuerdo general y otras conversaciones que he tenido sobre la cinta me han llevado a entender que Alzamora logró exhibir rasgos muy representativos de los pueblos de región, tanto buenos y nostálgicos como absurdos e inexplicables. El conflicto entre San Carlos y Chillán es una excusa para representar las vivencias y actitudes del chileno en su máximo esplendor, como pocas veces se muestran en el cine nacional (con comedia y sencillez).

La representación del chileno queda claramente expuesta en un último acto que convierte a la película de una apasionada y enternecedora comedia a una obra trascendental y excelsa. Los últimos 20 minutos de Denominación de Origen exhiben los vicios y virtudes del chileno con una frialdad cómica y una calidez incómoda, mediante una analogía obvia pero brillante que referencia a un proceso histórico reciente del país. La tesis de “el chileno es pesado, egoísta y muchas veces será la piedra en el camino de otro chileno, pero tiene un don para sobreponerse a las adversidades y seguir adelante con su vida, con las sonrisas y lágrimas pertinentes” es genial y conmovedora. Esa reflexión, junto a su ejecución cinematográfica, levanta a la película hasta volverla gloriosa.

El cine chileno no está muerto y lleva varios años sin estarlo (es más, suele producir varias obras de calidad todos los años), pero sí tiene problemas para motivar al público general a ver sus películas al cine cuando no son grandes producciones. Denominación de Origen destaca por su encantadora representación del chileno, pero, ¿por qué estos cumplidos no los reciben otras producciones nacionales? Podría decirse que es porque la mayoría de películas centran sus tramas en Santiago (lo que no es raro viniendo de un país centralista), ciudad tan multicultural que construye una imagen cinematográfica prejuiciosa del chileno como alguien similar al argentino, mexicano o, incluso, al estadounidense (véanse las películas de Nicolás López; éxitos en taquilla que no representaban a nadie xd). Otros comentan que es por la repetición de premisas y tópicos en los filmes (como las quejas por el cine sobre dictadura), aunque yo al menos no creo que ese sea el caso (hay grandes películas sobre dictadura muy representativas de la idiosincrasia del chileno). Tengan la opinión que tengan, el éxito transversal de Denominación de Origen fuerza el diálogo sobre este tema, y ojalá pueda ayudar a construir un camino para que el cine chileno mantenga estándares de calidad altos y sea consumido de mayor y mejor forma por el público general.

Denominación de Origen es memorable, graciosa, emotiva y brillante. ¡Vayan a verla! Además, las longanizas se veían muy ricas (y eso que soy vegetariano…). ¡Arriba San Carlos!

Sinners tiene una trama con la que cualquier otra película se podría haber enredado hasta la payasada: un drama racial de época sobre religión, música y dominación cultural… ¡con vampiros! Suena como un menjunje incoherente, pero la cinta de Coogler desarrolla su infrecuente relato con efusividad y corazón, construyendo una experiencia estruendosa, deslumbrante y, al mismo tiempo, emotiva.

El apartado técnico es excelente, destacando su montaje (caótico pero elegante), sonido (estruendoso y envolvente) y banda sonora (fogosa y encantadoramente representativa de la cultura afroamericana). Sinners se ve muy bien, se oye de maravilla y es una gran portavoz de los mayores encantos del cine como arte audiovisual. Verla en el cine y sentir las vibraciones de los asientos por el atronador sonido y la fascinante banda sonora, mientras tus ojos no pueden despegarse de la frenética acción desplegada en pantalla, es genial. Punto aparte para la extraordinaria dirección de Ryan Coogler, sutil cuando el drama lo requiere, ágil cuando el terror y el desquicio lo necesitan y con un despliegue maravilloso de técnica y poderío visual en algunas escenas memorables.

Pero Sinners no es parafernalia visual, ya que desarrolla posturas y reflexiones interesantes a través de música, imágenes y simbolismos, lo que genera momentos de gran sinergia entre lenguaje cinematográfico y mensaje. El planteamiento de la música como una fuerza poderosa que trasciende más allá del tiempo, espacio, raza y cultura da pie a escenas y secuencias inolvidables (una, en específico, de otro nivel), y es el núcleo temático de la película que mejor funciona (además de ser el mejor explotado cinematográficamente).

Tal como su nombre indica, Sinners también presenta comentarios sobre la naturaleza y concepción del pecado, con dardos a la religión católica y planteamientos interesantes sobre esta infracción en sus diferentes formas. El pecado es expuesto como manera no negativa (aunque tampoco perfecta) de buscar placer y autorealizarse, transmitiéndose esta idea a través de la exhibición del deseo carnal y el planteo del blues como música endemoniada. La cinta presenta los pecados como mortíferos (expuesto a través de los vampiros), pero también como parte natural y propia de una vida estable en libertad, alejándose de la imposición de dogmas y las visiones simplistas en torno al sexo, discriminación, violencia y arte. Cada uno toma sus propias decisiones, con los aspectos buenos y malos de eso. Sinners construye una inmersiva atmósfera erótica, violenta y musical, muy representativa de la naturaleza pecadora (pero humana y libre) de sus personajes.

El otro gran tema inherente a Sinners es el racismo sistemático y la dominación cultural. Toda la cinta es un drama racial que se aleja de convenciones propias del subgénero y destaca por su excelsa representación de la cultura afroamericana de principios del siglo XX y, en general, a nivel histórico. Esta muestra se construye de manera magistral a través de la banda sonora y la puesta en escena. Por el otro lado, los vampiros en sí son una metáfora de sometimiento cultural, al ser el antagonista mismo (Remmick) un irlandés desplazado de sus tierras. La película presenta una tesis compleja e interesante: aunque se propague una idea de unión, una verdadera unidad cultural es imposible. Los vampiros (discriminados y marginados también) ofrecen a los protagonistas una “vida mejor”, sin la discriminación sistemática de los blancos y el Klan, pero ellos mismos, al hacer esto, ejercen dominación sobre la cultura afroamericana. Blancos, afroamericanos, indios, chinos, irlandeses… todos forman parte de culturas, razas o etnias que, en su búsqueda o desprecio por la unión, ejercen ciertas formas de dominio cultural, creando ciclos de odio que, como en la vida real, son casi imposibles de cortar de raíz.

La variedad de ideas desarrolladas en Sinners es positiva y demuestra una visión muy interesante de Coogler como autor. Donde la cinta flaquea un poco es en su guion, que, si bien está muy lejos de ser malo, peca de ser sobreexplicativo en aspectos digeribles y críptico en momentos ambiguos (no en un sentido de ambigüedad interpretativa, sino en que el metraje se llena de muchos simbolismos diferentes intercalados con rapidez, dificultando el impacto dramático de cada uno por separado). La redundancia es un problema típico de las grandes producciones de Hollywood, pero a esta película, tan novedosa, frenética e inmersiva, le hace mucho daño y frena el ritmo de su narrativa (hay flashbacks cortos que son muy innecesarios y diálogos que se alargan más de la cuenta, por ejemplo jskksks). De todas formas, esto también es propiciado por la cantidad de temáticas alrededor de la premisa, generando que algunas veces la película tenga tantos flancos interpretativos y temáticos que puede sentirse algo enrevesada o desmedida. Esto se habría solucionado con algo de poda en el guion, pero tampoco es una traba que afecte al espectador en demasía.

Bien dirigida, bien actuada y excelente en su apartado técnico, Sinners es uno de los estrenos del año, y, a pesar de que a su guion le habría venido bien algo más de prolijidad, construye un visionado impresionante, memorable y lleno de emoción.

A diferencia de Mickey Mouse, intachable y reverenciado por los ejecutivos de Disney, Bugs Bunny y compañía han recibido el mismo respeto por parte de Warner Bros. que un cuadro antiguo que heredaste pero no te gusta. Es más, lo encuentras horrible. Lo tienes colgado en un salón tapado por una cortina o un mueble alto. Deshacerte del cuadro sería feo por el factor familiar, pero sabes claramente que lo odias, y la pintura es tan horrenda que tampoco sabes qué hacer con ella. Entre crossovers simplones con basquetbolistas que funcionan más como comerciales que como películas, cortometrajes poco difundidos y proyectos televisivos con potencial pero igualmente descartados (RIP The Looney Tunes Show 🪦), David Zaslav (presidente de Warner Bros.) ha hecho saber a las masas que los Looney Tunes tienen un futuro complicado e incierto.

Sacaron los cortos clásicos de Max, están planeando demoler el legendario Edificio 131 (donde se animó a los Looney Tunes en los años 30) y la innovadora cinta Coyote VS. Acme ya había sido archivada para nunca ver la luz del día. Los Looney Tunes parecían condenados al ostracismo hasta que un inesperado héroe con nombre de salsa de tomate saltó al rescate de estos alborotados personajes: la distribuidora Ketchup Entertainment. Esta compró y salvó de la desaparición al court drama del Coyote (ahora con estreno planificado para 2026) tras ya haber rescatado a un proyecto muy prometedor que Warner también se había negado a distribuir: The Day The Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie.

Ketchup Entertainment salvó de la desaparición a una película cuya disipación habría sido injusta e inexplicable. ¿Cómo explicas que casi desaparezca una película como The Day The Earth Blew Up? Una cinta con una hermosa y cuidada animación 2D hecha a mano (algo no frecuente en la actualidad), gags visuales graciosos y perspicaces, un corazón enorme y una pasión inmensa por homenajear los años dorados de los Looney Tunes. ¡Literalmente no le hace daño a nadie! Es más, por momentos es una de las películas animadas más graciosas de los últimos tiempos.

The Day The Earth Blew Up es exactamente lo que promete: una comedia familiar y disparatada de los Looney Tunes. La premisa es una excusa para mostrar chistes. La animación es un medio para mostrar chistes. ¡Todo es un chiste! Como la película no se toma en serio a sí misma, su visionado se vuelve una constante exposición de gags y bromas que rememoran la simpleza sagaz e ingeniosa de los cortos del siglo pasado, ¡solo que ahora en un largometraje excelentemente animado de 90 minutos!

Si bien mentiría al decir que todos los chistes en The Day The Earth Blew Up funcionan (yo incluso esperaba que fueran un poco más punzantes; a veces pecan de excesivamente infantiles), sí son más ocurrentes e impredecibles que la mayoría de gags de películas familiares actuales, que temen en mayor medida a experimentar con un humor más transgresor. La dinámica entre el Pato Lucas y Porky crea situaciones muy graciosas en una cinta que parodia constantemente al cine B y juega con un humor slapstick propio de la era dorada de los Looney Tunes. Su comedia no es revolucionaria ni infalible, pero sale victoriosa en el incómodo duelo entre el uso de humor clásico y la recepción de un público moderno. ¡Y la película además tiene momentos emotivos y genuinamente enternecedores que no se sienten fuera de lugar!

The Day The Earth Blew Up es una entretenida película para ver en familia y ser disfrutada por niños y adultos. Si bien la cinta es sencilla y tiende a la unidireccionalidad, es esta simpleza conscientemente chispeante, perceptible tanto en el humor como en la animación, la que la hace ser, paradójicamente, revolucionaria aunque no invente nada nuevo. ¿Quién diría que hacer una película con una pasión desbordante por tus personajes sería algo revolucionario en estos tiempos? Solo nos queda agradecer a la salsa de tomate por rescatar a este pequeño milagro de la animación 2D. 🥫

“A Minecraft Movie” estaba mal enfocada desde que se concibió su premisa. Verla es recordar los finales de los 2000/principios de los 2010, cuando a los productores ejecutivos de Hollywood no se les ocurría mejor manera de adaptar caricaturas clásicas a la pantalla grande que mandando a sus personajes más icónicos a Nueva York (o, pensado por los gringos, a la única concepción posible del “mundo real”), en vez de aprovechar su mitología o la riqueza creativa de sus propios personajes o universos. Los Looney Tunes fueron los únicos que sobrevivieron a esto (principalmente por Michael Jordan y Brendan Fraser), pero Alvin y las Ardillas, los Pitufos y el Oso Yogui siguen esperando que alguien lleve flores a sus tumbas.

En “A Minecraft Movie” pasa lo mismo que en estas películas, solo que al revés: Minecraft no llega a Gringolandia, los yankees llegan a Minecraft. Desde ahí, “A Minecraft Movie” ya había empezado con el pie torcido, cuando dejó que la variante básica del humor gringo, llena de flatulencias y redundancias, ahogara el propio potencial creativo del mundo y cultura de Minecraft. ¿Qué sé yo? ¡La película de Mario era re básica (como las historias de sus juegos), pero al menos se dejaba ver por su atractiva y fiel representación del Reino Champiñón!

Dicho esto, tampoco soy un ogro amargado (sísoy). Jason Momoa y Jack Black tienen partes graciosas, y la animación del mundo y los personajes de Minecraft, de manera un poco contraria a la opinión popular, me gustó. Es una lástima que los protagonistas no fueran animados como su entorno, porque así todo se habría visto mucho mejor estéticamente jksksk.

… tampoco me queda más por destacar, porque el resto de “A Minecraft Movie” es HORROROSO, partiendo por su guion. Respeto que durante la mayoría del metraje la película asume que no hay que tomársela en serio (ojalá esa fuera su postura todo el rato), pero eso solo hace que las partes dramáticas incorporadas después sean aún más forzadas, ridículas y apresuradas‼️ Aparte de Momoa (que es un meme no siempre gracioso) y Black (que actúa de Jack Black, con lo bueno y malo de eso), los demás personajes son planos, aburridos y todo lo que tiene que ver con ellos ralentiza la película en ritmo, humor y dinamismo.

La idea de que el Overworld representara un mundo donde las mentes ingeniosas pudieran dar rienda suelta a su creatividad, contraponiéndolo con el gris, pragmático y difícil mundo real, no me parece mala, pero la implementación de esta premisa está tan hecha con calzador que termina siendo apurada, ridícula y melodramática. No menciono de nuevo el humor porque, si bien a veces es gracioso gracias a Momoa, Black, Jennifer Coolidge y el aldeano Nitwit (el mejor personaje de la película), también tiene momentos en los que no se decide entre apelar a un público infantil o a uno juvenil-adulto, creando un híbrido incómodo que es muy básico y repetitivo para dar risa a un adulto e intempestivamente sexual para hacer reír a un niño. Bueno… la película era tan absurda que mi visionado consistió en cachetazos de incredulidad casi constantes.

Son épocas claroscuras para el cine. Por un lado, este tipo de películas (que parecen más comerciales que filmes) reúnen millones de personas en las salas de cine (lo que no debería ser malo), y por el otro, la mayoría consiste en piezas cinematográficas predecibles, burdas e intrascendentes, y el cine como medio artístico no existe para crear obras cuyo único propósito sea promover un capitalismo insípido que obligue a los seguidores de las franquicias mostradas en la gran pantalla a comprar juguetes del McDonald’s, hacer memes y sonreír frente al estímulo fácil de captar una referencia forzada del material original en el que se basó la película. No nos llevará a ninguna parte, ni como sociedad ni como cinéfilos, reemplazar creatividad, pensamiento crítico y trascendencia por flashes básicos de dopamina y narrativas simplonas, sobreexplicativas y robóticas. Estas cintas, cuando tienen una marca fuerte en su logo, son las que más venden… ¿Qué importa hacer mal la pega si la gente va a comprar la entrada igual?

Al menos nadie tiró cabritas a la pantalla cuando salió el Chicken Jockey 🐔. Mejor vean Karmaland, Planeta Vegetta o “Sonic The Hedgehog 3”, una película sobre un videojuego realmente conmovedora y hecha con cariño, tanto hacia el material original como hacia los espectadores 🦔. Quedo atento a la secuela con el Ender Dragon enfrentándose a Herobrine con Creeper VS Zombie sonando de fondo. Saludos!

The Super Mario Bros. Movie (2023)

Resident Evil (2002)

Sonic The Hedgehog (2020)

Tomb Raider (2018)

Pokémon Detective Pikachu (2019)

Phoenix Wright: Ace Attorney (2012)

The Angry Birds Movie (2016)

Final Fantasy: The Spirits Within (2001)

Silent Hill (2006)

Inside Man (2006)

Smoke (1995)

La Once (2014)

The Way Way Back (2013)

The Lives of Others (2006)

Searching for Sugar Man (2012)

Johnny 100 Pesos (1993)

Music and Lyrics (2007)

Pump Up The Volume (1990)